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艺术与错觉一书的作者、道艺论所主张的艺术观念是、西方历史上的艺术理念

油画从文艺复兴初期诞生,是一门非常有代表性的视觉艺术,在不同时期,体现画面效果的重要因素是不同的。文艺复兴初期的油画,经过达芬奇、米开朗基罗等大师的探索,从古希腊、古罗马时期的雕塑作品里吸收了许多技法,如何展现出富有立体质感的形象,是这时期油画艺术的第一追求,因此可以说,文艺复兴时期影响油画画面效果的重要因素是造型。

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从14——16世纪这200多年中,画家除过对塑造形象有深刻认识外,在其它方面还处在探索阶段,画面中的设色并不多,色彩也不丰富,看起来比单色绘画的素描强不了多少。一些画家从物理学中认识到了光影的作用,也开始把光影效果吸收到画面中,以此来展现光和色结合后,给画面带来的视觉效果,但处于探索阶段,没有成为主流。

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到文艺复兴末期,出现了一个油画大师,他就是提香,他是第一个对油画色彩领域贡献非常大的人。提香喜欢创作明快风格,展现生命激情的作品,所以,他把鲜艳而丰富的色彩不断融入到构图和造型中,把西方油画推进到了一个新高度。

从提香之后,油画家都对色彩表现出浓厚的兴趣,提香之后17世纪的巴洛克油画大师鲁本斯,进一步发挥了色彩的魅力。

光影真正成为展现油画画面效果的重要因素,是到了19世纪中期。确切地说,是印象派画家把光影提升到了一个新高度,从此跟造型、色彩等元素并驾齐驱,甚至高于它们。

印象派的艺术宗旨,就是刻画自然光照射到物体上,经过物体反射和吸收后,形成的那种光怪陆离的视觉感受,画家可以依照主观心理感受进一步用笔触的变化来夸张这种光影魅力。

印象派油画也昭示着油画从写实走向了写意,从展现客观、理性的趣味,步入了自我抒情的新阶段,颠覆了人们对油画几百年的认识和理解。

要制造出具有抒情意味的画面形式,必然要弱化造型的准确性,突出光影效果的变化莫测,以及强化色彩和笔触的张力,从视觉和心理带给人们双重的震撼。

像印象派雷诺阿,后印象派梵高,都是善于经营画面光影效果的高手。

“模特”一词出自西方,意为模型、样板,是从手工作坊比照样品加工产品延伸过来的,用在绘画上,多指人像绘画、雕塑中以真人为参照对象,这里的真人就被称作人像绘画中的模特。

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早在2000多年前的古希腊时期,当时人们出于对人体之美的崇尚,工匠艺人以英俊威武的男子和婀娜秀美的女子为模特创作出人像雕塑,那时就已经了使用模特的艺术理念。

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油画诞生之前,西方流行的蛋彩人物画也多以真人为模特,比如波提切利的《春》。十五世纪油画研制成功后,正逢欧洲文艺复兴运动,油画突出的造型具像功能使以写实为主要创作形式的西方艺术家们大显身手。为了创作出更形象更逼真的人像油画作品,聘用模特成为这一时期的普遍现象。模特也成为西方绘画艺术的重要要素。甚至有人说,一个合格的优秀的模特是作品成功的一半。

很多经典的西方油画都是以真人为模特创作出来的。像达芬奇的《蒙娜丽莎》《丽达与天鹅》,拉斐尔的《圣母子》,乔尔乔内的《入睡的维纳斯》,提香的《天上的爱和人间的爱》,鲁本斯的《三美神》,伦勃朗的《娜达厄》,安格尔的《泉》、《大宫女》等等,都是这样。

中国绘画历史悠久,渊源流长。虽然古时中国画没有使用“模特”一词,但以真人为原型作画是很早就有的,如《汉书》中记载的汉元帝时宫廷画师毛延寿为宫女画像都是以真人为模特画出来的。中国历代工笔人物画大都是以真人为参照创作出来的,只是由于中国画更加注重写意,绘画不像油画那样写实逼真罢了。

二十世纪初,油画引入中国后,创作中聘用模特更加受到重视。从徐悲鸿、刘海粟、潘玉良那一代画家开始,在人像绘画中聘用模特形成传统。在当今画坛,中国画家和外国画家以模特作参照的创作理念和方法形式是一样的。

画家创作中的模特,有的是从社会上选聘的,有的是自己的爱人或家人,情况各异,这个没有统一的要求和规范。

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